FOTOGRAFIA COMO ARTE
Hasta finales
del siglo XIX la fotografía es valorada en
cuanto a la capacidad para captar imágenes
con la mayor fidelidad posible. En ningún
momento se plantea el valor artístico que
ésta pueda contener.
El exceso de cámaras fotográficas
convierten a la fotografía en un hecho insignificante
y vulgar sin valor artístico alguno y por
eso los fotógrafos cansados de la clásica
foma de composición trabajan en nuevas técnicas
fotográficas.
Los fotógrafos buscan el toque artístico
imitando al dibujo y a la pintura. La fotografía
artística busca su diferenciación
en la composición basada en las reglas de
la pintura. El impresionismo influye en la fotografía
fundamentando sus contenidos en el contraste de
luces y sombras. La fotografía pretende imitar
a la pintura impresionista y ésta a su vez
utiliza la fotografía para el estudio del
color.
El modernismo también influye en la fotografía.
Del 1900 al 1920 ha sido considerada la etapa de
la fotografía artística. Durante este
período se manifiestan tres actitudes artísticas:
impresionismo, realismo y surrealismo. Y a su vez,
dentro de estas tres fluctuan: el pictorialismo,
la fotografía pura, fotografía objetiva,
nuevo realismo, etc.
Entre las publicaciones dedicadas a la fotografía
artística destacan las publicadas por José
Francés y Emiliano M. Aguilera. El primero
defiende los valores estéticos de la fotografía
artística y contribuye a su difusión
a través de sus publicaciones.
El pictorialismo nace en Europa a finales del siglo
XIX y se extiende por España a través
de revistas especializadas y exposiciones. Su lema
es “la búsqueda de la belleza con la
intención de reivindicar los valores propios
de la fotografía”.
"...y
sentirse libre" Foto:Kathrin
Peters
Roland Barthes define el pictorialismo como “una
exageración de lo que la foto piensa de sí
misma”. Algunos autores proclaman a George
Davison con su obra “El campo de cebollas”
como el “culpable” del inicio del movimiento
pictorialista ya que fueron muchos los que le imitaron
con el objeto de lograr resultados impresionistas.
El Pictorialismo desarrolla técnicas como
gomas, tintas grasas o carbones que pretendían
la aproximación a los trazos del pincel.
La estética pictorialista estaba ligada a
agrupaciones y sociedades fotográficas donde
los aficionados invertían tiempo y dinero
en experimentar con la imagen. Sería la clase
social alta la que desarrollaría esta actividad
al ser los únicos con acceso a la cultura
como por ejemplo los hermanos Cánovas del
Castillo o Luis de Ocharán.
El Pictorialismo español se agrupa en tres
períodos: protopictorialismo (vanguardia
de años veinte y treinta), pictorialismo
puro y tardopictorialismo. Las tendencias del pictorialismo
fueron varias; los puristas que imitaban a la pintura,
los simbolistas recreaban escenarios y decorados
y los regeneracionistas que captaban los ambientes
naturales previamente tratados.
Las vanguardias redefinen a la fotografía
como arte y a la pintura como técnica para
algunos autores, para otros la fotografía
entró en los movimientos vanguardistas con
la aplicación de nuevas técnicas y
el deseo de incorporarlo a la cultura moderna.
En 1902 el grupo Photo-Secession difunden el arte
vanguardista acaparando la pintura, escultura, la
fotografía y el dibujo.
Las vanguardias acogen al futurismo, surrealismo,
dadaismo, etc. En la primera década del siglo
XX, la fotografía y pintura se funden, empleando
recortes impresos y fotografías, creando
los collages aceptados por futuristas y dadaistas.
Algunos autores del movimiento vanguardista son:
Picasso, Renau, Dalí o André Breton.
El surrealista André Breton presenta la fotografía
como heredera de la pintura. Alvin Langdon manipula
la perspectiva a semejanza del cubismo.
"Fuego"
Foto:Kathrin
Peters
A continuación surge el fotomontaje, empleado
por los dadaistas. Las revistas de arte juegan un
papel clave en el crecimineto del arte fotográfico
como arte. La prensa especializada en fotografía
reconoce el valor artístico de la misma.
Revistas como “La Esfera” crean dos
secciones “La fotografía artística”
y “Arte fotográfico”. La fotografía
publicitaria será el medio de expresión
de los autores de vanguardia.
El cine y la fotografía intercambian valores
durante los años treinta. De hecho algún
autor considera al cine como punto de partida en
la fotografía de vanguardia. Experimentados
fotógrafos llegan al cine ya que en las imágenes
mudas son muy importantes la escenificación
y la pose calculada para construir un conjunto de
imágenes estáticas que crean el movimiento.
La aplicación de la fotografía al
cine alcanzó varios campos pero mayoritariamente
la cartelería. También la literatura
y fotografía se dan la mano. Las palabras
constituyen imágenes y las imágenes
sugieren la historia.
A partir de la fotografía surgen los pies
de foto prolongados en comentarios, ensayos o cuentos.
La ilustración de clásicos de la literatura
y de textos periodísticos hacen de la fotografía
un miembro relevante en el arte de las letras.
Wolvenbosch,
2001 Foto:Viggo
Mortensen
"Chocolate
y Nata"
Foto:Kathrin
Peters
Foto:Daniel
Berenstein
Argentina
MI OPINIÓN: El arte de la fotografía para mi es muy importante en la vida ya que gracias a ella se pueden grabar situaciones o pactos de cualquier tipo y ello quedara siempre en el recuerdo o como evidencia.
En la antigüedad los artistas disponían de una habitación oscura en la
que entraban para fotografiar un paisaje circundante, pero estos
montajes e instrumentos, tenían un gran inconveniente, eran muy poco
manejables. Hacia la segunda mitad del siglo XVII se inventó una mesa de
dibujo portátil siguiendo el principio de la cámara oscura.
